Cowboy Junkies – The Trinity Session

Eine Kirche, eine Stimme und der Mut zur Stille

Manche Platten beziehen ihre Größe aus dem, was sie nicht überdecken. The Trinity Session gehört dazu: eine Stimme, die keine Distanz durch Lautstärke überbrücken muss, eine Band, die aufeinander hört, und ein Raum, dessen Nachhall Teil der musikalischen Sprache wird. Die Cowboy Junkies suchten für diese Aufnahme keinen neutralen Studioklang. Am 27. November 1987 spielten sie in der Church of the Holy Trinity in Toronto. Das Gebäude wurde zum gemeinsamen Resonanzkörper. Wer sich auf das Album einlässt, begegnet Songs, deren Gewicht sich weniger in spektakulären Wendungen als im Verhältnis von Stimme, Begleitung und ausklingendem Ton entfaltet.

Im Mittelpunkt steht Margo Timmins. Ihr Gesang hält die Musik zusammen, ohne alle Aufmerksamkeit an sich zu ziehen. Neben ihr bilden Michael Timmins an der Gitarre, Alan Anton am Bass und Peter Timmins am Schlagzeug den Kern der Band. Diese Konstellation ist für das Verständnis der Platte wichtiger als das Etikett einer einzelnen Stilrichtung. Country, Blues, Folk und Rock werden hier nicht als voneinander getrennte Traditionen vorgeführt. Sie treten in einen gemeinsamen, geduldigen Erzählraum ein. Die Band behandelt das vertraute Lied nicht wie ein Museumsstück, sondern wie etwas, das in diesem Augenblick noch einmal Bedeutung gewinnen kann.

Zur Geschichte gehört eine kleine, wichtige Präzisierung: Nicht jeder Ton des Albums stammt vom selben Aufnahmetag. Das unbegleitete „Mining for Gold“, mit dem die Platte beginnt, wurde einige Tage später aufgenommen. Gerade dieses Stück macht die Entscheidung für Reduktion besonders deutlich. Ohne instrumentales Sicherheitsnetz eröffnet die Stimme einen Raum, bevor die eigentliche Bandbesetzung hineintritt. Das Album erschien 1988; die frühe Veröffentlichung bei Latent und die spätere internationale Verbreitung werden in Quellen nicht immer sauber getrennt. Entscheidend ist die musikalische Entdeckung: Eine leise Platte konnte eine sehr weit reichende Wirkung entfalten.

Margo Timmins und ein Ensemble mit offenen Rändern

Der Kern des Quartetts ist nur ein Teil der Besetzung. John Timmins steuert Gitarre und Begleitgesang bei, Kim Deschamps Pedal-Steel, Dobro und Slide-Gitarre. Jeff Bird erweitert das Klangbild mit Violine, Mundharmonika und Mandoline; außerdem sind Steve Shearer an der Mundharmonika und Jaro Czerwinec am Akkordeon beteiligt. Diese Albumcredits sind keine Behauptung, dass alle neun Musiker auf jedem Titel zu hören wären. Insbesondere das a-cappella eröffnende „Mining for Gold“ darf nicht nachträglich mit einer imaginären Begleitband ausgestattet werden. Für die weiteren Titel bleiben nicht vollständig belegte Einzelzuordnungen bewusst offen.

Die zusätzliche Instrumentierung erklärt dennoch, weshalb diese Musik bei aller Zurückhaltung so viele Schattierungen besitzt. Eine gestrichene Saite, ein gleitender Gitarrenton oder der Atem eines Akkordeons können zwischen Gesang und Raum vermitteln, ohne die Textur zu verdichten. Michael Timmins’ Gitarre ist dabei nicht bloß die harmonische Unterlage einer Sängerin. Sie gehört zu einer Ensembleidee, in der Töne Platz behalten und Antworten auch mit Verzögerung eintreffen dürfen. Margo Timmins wiederum singt in diesem Gefüge, nicht darüber hinweg. Für aufmerksames Hören ist das eine schöne Einladung, Begleitung als eigenständige Erzählung wahrzunehmen.

Peter Moore zeichnete die Musik mit einem Calrec-Ambisonic-Mikrofon auf. Ein solches räumliches Aufnahmeverfahren macht die Position und das Verhältnis der Musiker zueinander besonders bedeutsam. Der Kirchenraum ist deshalb mehr als eine nachträglich zugesetzte Atmosphäre. Er gehört zur ursprünglichen Klanggestalt. Trotzdem sollte daraus keine Legende einer analogen Ein-Mikrofon-Bandaufnahme gemacht werden: Die Originalaufnahme ist digital, mit 44,1 kHz und 16 Bit. Quellen widersprechen sich beim konkret verwendeten Aufzeichnungsgerät. Diese Ausgabe wird dadurch nicht weniger interessant; ihre Geschichte wird vielmehr präziser, wenn man die digitale Herkunft ausdrücklich stehen lässt.

Zwölf Lieder zwischen Volkslied, Country und „Sweet Jane“

Die Programmauswahl ist ein wesentlicher Teil der Eigenart dieses Albums. Auf das unbegleitete „Mining for Gold“ folgen „Misguided Angel“ und „Blue Moon Revisited (Song for Elvis)“. Schon diese Nachbarschaft lässt erkennen, wie persönliche Songs und musikalische Erinnerung ineinandergreifen. „Blue Moon Revisited“ wird nicht einfach als isoliertes Zitat eines Standards behandelt: Der Titel benennt selbst den Vorgang des Wiederbesuchens. Das Vertraute erhält eine neue Umgebung. Anstatt immer neue stilistische Ausrufezeichen zu setzen, hält die Platte an ihrer gemeinsamen Temperatur fest und lässt unterschiedliche Herkunftsgeschichten darin bestehen.

Mit „I’m So Lonesome I Could Cry“ und „Dreaming My Dreams with You“ öffnet sich die Country-Seite des Programms. „Working on a Building“ bringt eine weitere Traditionslinie hinein. Dazwischen stehen Stücke wie „I Don’t Get It“, „To Love Is to Bury“ und „200 More Miles“, die sich nicht wie Fremdkörper zwischen den übernommenen Liedern anfühlen. Gerade diese Gleichberechtigung macht den Reiz aus: Man muss beim Hören nicht fortwährend zwischen Eigenem und Überliefertem umschalten. Die Interpretation schafft eine Verbindung, ohne die einzelnen Texte und Melodien ihrer Herkunft zu berauben.

„Sweet Jane“ führt schließlich zum Songwriting von Lou Reed, bevor „Postcard Blues“ und „Walkin’ After Midnight“ den letzten Abschnitt bilden. Die Analogue-Productions-Ausgabe verteilt zwölf Titel mit jeweils drei Stücken auf vier Plattenseiten. Sie enthält damit auch „Blue Moon Revisited“ und „Working on a Building“, die auf der ersten Latent-Vinylfassung fehlten. Für Sammler ist das keine beiläufige Ergänzung: Der Spannungsbogen dieser heute vertrauten zwölfteiligen Fassung lässt sich hier vollständig auf Vinyl verfolgen. Die zwei LPs laufen mit 33⅓ Umdrehungen; vier Seiten bedeuten in diesem Fall ausdrücklich nicht vier 45-RPM-Seiten.

Analogue Productions: die digitale Quelle ernst genommen

Für diese Neuausgabe arbeiteten Peter Moore und die Band am Remastering. Ryan K. Smith übernahm den Schnitt bei Sterling Sound; Gary Salstrom wird für die Galvanik genannt, gepresst wurde bei Quality Record Pressings. Diese Arbeitsschritte sind voneinander zu unterscheiden. Ein neuer Vinylschnitt ändert nicht die Herkunft der Aufnahme, kann aber für eine sorgfältige Übertragung des vorhandenen Masters auf die Schallplatte sorgen. Die zutreffende Sammlerbeschreibung lautet deshalb nicht „rein analog“, sondern eine aufwendig betreute Vinylneuausgabe einer digitalen Originalaufnahme. Gerade bei einem so raumbezogenen Album lohnt diese Genauigkeit.

Die Ausstattung umfasst eine Stoughton-Klapphülle, ein auf Wunsch der Künstler neu gestaltetes Cover sowie neue Anmerkungen von Jason Schneider und zusätzliches Bildmaterial. Sie gibt der Edition einen eigenen dokumentarischen Wert, auch für Hörer, die das Album bereits kennen. Historische Einträge beschreiben eine frühere 200-Gramm-Ausführung; das aktuelle Produkt wird mit 180 Gramm geführt. Diese Angaben bezeichnen unterschiedliche Produktionsstände und dürfen nicht zu einer vermeintlich sicheren Aussage über jedes existierende Exemplar zusammengezogen werden. Maßgeblich für das angebotene Produkt ist die aktuelle Artikelbeschreibung, nicht das Gewicht einer älteren Sammlerfassung.

Diese Ausgabe richtet sich an Musikliebhaber, die auch auf die kleinen Beziehungen innerhalb einer Aufnahme achten: den Übergang von einem Lied zum nächsten, die Rolle eines Raums, das Verhältnis einer zurückgenommenen Stimme zu ihrer Begleitung. Sie verspricht keine neue Aufführung und keine nachträglich erfundene analoge Vergangenheit. Ihr besonderer Reiz liegt darin, das vollständige Programm mit seinem eigenwilligen Zusammenhalt auf zwei sorgfältig produzierten LPs zugänglich zu machen. The Trinity Session bleibt eine Platte, die Aufmerksamkeit nicht fordert, sondern durch ihre Konzentration gewinnt.

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Beteiligte Musiker

Mitwirkende und dokumentierter Creditstand. Titelnummern beziehen sich auf die Tracklist.

• Margo TimminsPorträt: Vorlage veröffentlicht 2008; Fotodatum unbekanntGesangMitwirkung: Gesang; A1 a cappella
• Michael TimminsGitarreMitwirkung: Albumcredit; nicht A1; weitere Titelzuordnung offen
• Alan AntonBassMitwirkung: Albumcredit; nicht A1; weitere Titelzuordnung offen
• Peter TimminsSchlagzeugMitwirkung: Albumcredit; nicht A1; weitere Titelzuordnung offen
• John TimminsGitarre, BegleitgesangMitwirkung: Albumcredit; nicht A1; weitere Titelzuordnung offen
• Kim DeschampsPedal Steel, Dobro, Bottleneck-SlideMitwirkung: Albumcredit; nicht A1; weitere Titelzuordnung offen
• Jeff BirdGeige, Mundharmonika, MandolineMitwirkung: Albumcredit; nicht A1; weitere Titelzuordnung offen
• Steve ShearerMundharmonikaMitwirkung: Albumcredit; nicht A1; weitere Titelzuordnung offen
• Jaro CzerwinecAkkordeonMitwirkung: Albumcredit; nicht A1; weitere Titelzuordnung offen

Albumcredits; „Mining for Gold“ ist Margo Timmins a cappella, nicht die gesamte Band. Weitere titelgenaue Instrumentenzuordnungen sind nicht gesichert. Laufzeiten nach der dokumentierten AP-Ausgabe.