Melodien mit aufgestellten Ellbogen

Man erinnert sich an den Trotz. Beim Wiederhören fällt auf, wie viel Melodie darin steckt. „My Generation“ ist nicht bloß der erste große Aufschrei der Who, sondern das Debüt einer Band, deren Mitglieder schon 1965 sehr unterschiedliche Vorstellungen davon haben, was ein Song leisten kann.

Unter Produzent Shel Talmy treffen ihre Rhythm-and-Blues-Wurzeln auf Pete Townshends eigene Stücke. Roger Daltrey gibt ihnen eine Stimme, die sich nicht freundlich einordnet; John Entwistle und Keith Moon begnügen sich längst nicht mit dem Hintergrund. Gerade weil hier so viele Kräfte gleichzeitig ziehen, bleiben selbst die kurzen Songs in Bewegung.

Illustration der vier Who-Mitglieder in der Mod-Phase von My Generation, 1965 — The Who

Mehr als der berühmte Titelsong

Im Titelsong bekommt der Bass einen Moment, in dem er nicht stützt, sondern spricht. Entwistles Einwürfe und Daltreys abgebrochene Phrasen machen aus dem Song mehr als eine Parole. Die Band wirkt, als müsse sie sich ihren Platz in jedem Takt erst freispielen.

Dann „The Kids Are Alright“: plötzlich diese Leichtigkeit der Melodie und der Stimmen, ohne dass die Spannung verschwindet. Am anderen Ende steht „The Ox“, das instrumentale Finale. Zwischen solchen Polen entsteht der Reiz des Albums – nicht allein in seiner Lautstärke, sondern im Nebeneinander von Gespür für Popsongs und Lust am Kontrollverlust.

Bass, E-Gitarre und Schlagzeug als musikalische Illustration zu My Generation — Bass, Gitarre, Schlagzeug

Warum die ursprüngliche Mono-Fassung wichtig ist

Das britische Debüt erschien im Dezember 1965 bei Brunswick; die amerikanische Ausgabe folgte 1966 unter dem erweiterten Titel „The Who Sings My Generation“. Produzent Shel Talmy hatte auch mit den Kinks gearbeitet. Damit gehört das Album in eine konkrete Londoner Studiowelt, in der junge Bands ihre amerikanischen Einflüsse nicht bloß nachspielten, sondern in eine eigene, deutlich ungeduldigere Sprache überführten. Der Titelsong ist dafür das bekannteste Beispiel, aber keineswegs die ganze Geschichte.

Bei dieser Ausgabe ist „Mono“ außerdem mehr als eine nostalgische Formatangabe. Für die 2014 angefertigten Stereomischungen, die später in der Super-Deluxe-Ausgabe erschienen, ergänzten Roger Daltrey und Pete Townshend fehlende Bestandteile durch neue Einspielungen. Die Band dokumentiert ausdrücklich den Versuch, dafür passende ursprüngliche Instrumente und Mikrofontypen einzusetzen. Diese AP-Ausgabe präsentiert dagegen die ursprüngliche Mono-Fassung. Man kauft also nicht einfach dieselbe Mischung mit weniger räumlicher Breite, sondern einen anderen historischen Bezugspunkt.

Das macht den Vergleich der Fassungen für Sammler reizvoll, ohne dass man daraus ein pauschales Urteil gegen Stereo ableiten muss. Hier geht es um das Album als Veröffentlichung seiner Zeit: Gesang, Gitarren, Bass und Schlagzeug teilen sich ein gemeinsames Zentrum. Die raue Direktheit muss sich nicht zu einer späteren Rekonstruktion erklären. Sie darf genau das sein, was diese junge Band damals aufnahm.

Diese Ausgabe: Ultra Tape – und was du zum Abspielen brauchst

Analogue Productions bringt diese Aufnahme in der Reihe Ultra Tape heraus: ein Viertelzoll-Band mit 15 ips und IEC-Entzerrung, in Zweispur-Stereo (Halbspur). Jede Kopie entsteht in Echtzeit von einer Kopie des analogen Originalmasterbands, überspielt auf einer ATR-modifizierten Ampex-Maschine mit Flux-Magnetköpfen, geliefert in einem eigenen Schuber.

Zum Abspielen brauchst du eine Bandmaschine, die 15 ips läuft und zwei Spuren liest. Das Format lässt die Schritte weg, die eine Schallplatte zwischen Masterband und Rille nimmt – genau deshalb greifen Sammler danach.

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